Топ-100 самых известных русских художников

Туве Янссон

Иллюстратор, график. Родилась в 1914 году в Финляндии, дочь скульптора. Окончила Колледж искусств в Стокгольме, совершенствовалась в Европе. В 26 лет придумала и нарисовала смешное существо с круглым брюшком и доверчивой мордочкой — Муми-Тролля. В 1938 году написала первую книжку про это существо, его папу, маму, дом и друзей — «Муми-тролль и большое наводнение». В 1949 году вышла «Шляпа волшебника», также проиллюстрированная Янсон, — и мир охватила муми-мания. Создательница муми-троллей всегда утверждала, что она в первую очередь художница и картины значат для неё больше, чем сказки. Янссон расписала мэрию Хельсинки, несколько церквей и общественных зданий.

Помимо перечисленных свой след в истории искусства оставили ещё сотни женщин. В статье не рассказано об Анжелике Кауфман, Софье Дымшиц, Фриде Кало, Софии Ласкариду, Елене Гуро и многих, многих других.

Помните, что творческие способности могут проснуться в самый неожиданный момент, и даже если вам не светит выставка в Салоне или Манеже, живопись облагораживает душу. Окуните ваши кисти!

Микеланджело (1475-1564)

Микеланджело Буонарроти своим творчеством наложил отпечаток не только на искусство эпохи Возрождения, но и на всю мировую культуру. Прожив почти 89 лет, он застал правление 13 Пап Римских, выполняя заказы 9 из них.

Его величайшие произведения – статуи «Бахус», «Давид», «Пьета», а из живописи наиболее выдающимся стал потолок Сикстинской капеллы, для которого он рисовал фрески.

Несмотря на все величие этой фигуры, достойных байопиков о жизни Микеланджело пока не сняли, хотя в исторических фильмах его образ используется регулярно.

В 2018 году итальянский режиссер снял документальную картину «Микеланджело. Бесконечность», в которой собрал массу информации о жизни своего соотечественника.

Российский художник Валерий Кошляков

Валерий Кошляков родился 21 июня, 1962 года в небольшом городке Сальск, Россия (РСФСР). На данный момент современный российский художник живет и работает как в Москве, так и в Париже. Он является одним из самых дорогостоящих художников Российской Федерации, и заслуженно заканчивает нашу десятку рейтинга «Лучшие современные художники мира». Его персональные экспозиции открывались как в Третьяковской галерее, так и замке Франконвиль под Парижем. Кошляков пишет свои картины не только на холсте, но и на картоне, а также на склеенном монтажном скотче. Полотна выполнены в мягком сюрреалистическом стиле и перекликаются с работами художника-импрессиониста Джереми Манна по своей технике воспроизведения. Русская живопись Кошлякова затрагивает различные темы, — от символики СССР, до античной мифологии. Великий художник использует узнаваемые размытые мазки и подтеки краски в своих необычных картинах.

«Исчезновение образа», 2011, холст, темпера, акрил, коллаж
«Городские врата» из серии «Империя», 2004, холст, акрил, смешанная техника
«Полигимния», 2008-2013, холст, акрил, коллаж
«Герб», 2006, масло, холст

Рембрандт. Реальный и поэтичный.

Рембрандт. Автопортрет в возрасте 63 лет. 1669. Национальная Лондонская галерея.

Рембрандт изображал мир таким, какой он был. Без прикрас и лакировок. Но получалось у него это очень душевно.

На полотнах Рембрандта – полумрак, из которого, подсвеченные золотым светом, выступают фигуры. Красивые в своей естественности. Именно такие герои его картины “Еврейская невеста”.

Рембрандт. Еврейская невеста. 1662. Рейксмузеум, Амстердам.

Судьба величайшего голландского живописца похожа на трамплин – из неизвестности вознестись до богатства и популярности, чтобы потом низвергнуться вниз и умереть в нищете.

Он не был понят современниками. Которые предпочитали красивые бытовые сценки с милыми, тщательно прописанными деталями. Рембрандт же писал человеческие чувства и переживания, что было совсем не модно.

Рембрандт. Возвращение блудного сына. 1668. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Arthistory.ru.

Это большое чудо, что самые известные работы, такие как «Возвращения блудного сына», находятся в России, в Эрмитаже. Куда можно прийти, чтобы полюбоваться, понять, почувствовать.

О картине читайте в статье “Возвращение блудного сына” Рембрандта. Почему это шедевр?”

Пабло Пикассо. Разный и ищущий.

Пабло Пикассо. Автопортрет. 1907. Национальная галерея Праги. Musei-mira.com.

Этот известный ловелас прославился не только частой сменой муз, но и частой сменой художественных направлений. В начале XX века он создал немало работ в “африканском стиле”, когда вместо лиц он рисовал маски экзотических племён. Потом был кубизм, а ещё абстракционизм и сюрреализм.

Пабло Пикассо. Герника. 1937. Центр искусств королевы Софии. Picasso-Pablo.ru.

Вершиной его творчества можно назвать эмоциональную «Гернику» (см. выше), посвящённую разрушенному войной городу. Символ страдания и варварства.

Именно Пикассо придумал соединять в портретах анфас и профиль, разбивать предметы на простые фигуры, собирая в удивительные формы.

Он изменил весь ландшафт изобразительного искусства, обогатив его революционными идеями. Разве мог кто-то до Пикассо так написать портрет знаменитого мецената Амбруаза Воллара?

Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910. ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва. Arts-museum.ru.

Мэри Кассат (1844-1926 гг.)

Мэри Стивенсон Кассат. Автопортрет. 1878 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Какие перспективы открывает жизнь, когда родители – миллионеры!

Но своевольная американка Мэри Кассат шла своим путём. Она посвятила жизнь живописи, к великому неодобрению богатых родителей.

Художница радикально изменила образ ребенка в искусстве. Посмотрите на ее «Маленькую девочку в голубом кресле».

Мэри Кассат. Маленькая девочка на голубом кресле. 1878 г. Национальная галерея Вашингтона, США

До Кассат детей было принято рисовать ангелочками. Умилительная серьезность, аккуратные наряды.

Художница же изобразила обычную девочку-непоседу. Платье её задралось, обнажив коленки. Поза говорит об усталости, а на лице написана раздражённость.

Картины Кассат очень разные. Например, работа «В омнибусе» ничем не напоминает «Девочку в голубом кресле».

Мэри Кассат. В омнибусе. 1897 г. Чикагский институт искусств

Художница была свободолюбивой натурой. Поэтому в её творчестве можно найти и работы в духе импрессионистов, и реалистичные полотна, и графические рисунки.

«В омнибусе» – это как раз рисунок. Простые линии рождают выразительные образы двух женщин с младенцем. Эта работа создана, конечно, под влиянием японских гравюр.

Чаще всего Кассат писала матерей с детьми. Сама она отказалась и от замужества, и от материнства ради живописи.

Увы, в 19 веке женщине приходилось выбирать. Лишь вынужденное монашество открыло Кассат дорогу в искусство. 

Работы Мэри Кассат. Слева: Мать и дитя. 1913 г. Справа: Мадам Лефевр держит ребёнка. 1903 г.

Но ее матери часто … грустят. И здесь мы можем только гадать, почему.

То ли это грусть самой Мэри по несостоявшейся роли матери. То ли художница изображала состояние многих женщин: неудовлетворенность из-за невозможности заниматься чем-то еще, кроме «женских дел».

Мэри думала, что нашла выход. Но, судя по этим грустным глазам, полноценного счастья ей это не принесло.

Камилла Клодель

Скульптор, ученица и модель Родена. Родилась в 1864 году на севере Франции в семье буржуа. С детства интересовалась искусством, вопреки воле родных уехала в Париж учиться скульптуре у Альфреда Буше. На курсах познакомилась с Роденом, стала его возлюбленной, моделью, ученицей, а впоследствии и конкуренткой — динамичные, экспрессивные работы Клодель порой выигрывали на фоне холодного совершенства Родена. Выставлялась в Салоне, имела коммерческий успех и хорошие отзывы. «Бунт против природы, женщина — гений», — шовинистически, но восторженно говорил о ней политик Мирабо. Разрыв с Роденом оказался для Клодель слишком болезненным, с 1914 года она погрузилась в мир собственных фантазий и галлюцинаций. Семья поместила Камиллу в лечебницу для душевнобольных, где она провела последние 30 лет жизни.

Сальвадор Дали (1904-1989)

Испанский художник, скульптор, дизайнер и вообще разносторонний человек, Сальвадор Дали по праву считается одним из величайших представителей жанра сюрреализм.

Его экстравагантность и не всегда адекватное поведение сыграли только на руку, так как истории о его выходках часто становились достоянием общественности.

Так, после ссоры с отцом (в которой виноват был сам Дали), художник по почте отправил ему свою сперму, приложив записку со словами «Это все, что я тебе должен».

Самые известные его картины – «Сикстинская Мадонна», «Сон», «Постоянство памяти» и многие другие. В кино его образ на себя примеряли Эдриен Броуди («Полночь в Париже»), Роберт Паттинсон («Отголоски прошлого»), Лоренцо Куинн («Дали»).

Череп коровы: красный, белый и синий

Исполнитель: Джорджия О’Киф

Год: 1931

Коровий череп — красный, белый и синий (1931) — Джорджия О’Киф

Джорджия О’Киф была ведущей фигурой в американском модернизме. Она бросила вызов границам художественного стиля с ее картинами, которые объединили абстракцию и представление. В то время, когда была создана эта знаменитая картина, многие американские художники в различных областях создавали работы на основе американской тематики и создавали для них уникальную американскую идентичность. Вместо того, чтобы представлять преобладающие идеи Америки того времени, О’Киф изображает коровий череп в центре картины с тремя цветами американского флага позади него. С тех пор картина стала типичной иконой американского Запада.

Муза в образе Демона

Творчество Михаила Врубеля, первого русского художника-символиста конца ХІХ, в первую очередь известно по его иллюстрациям к произведениям Лермонтова. Образ лермонтовского Демона можно часто встретить в его картинах. Но в молодые годы Михаил расписывал церкви и писал ангелов. И вдохновение ему дарила Эмилия Прахова, жена профессора Адриана Прахова.

Врубель/Демон сидящий

Профессор очень долгое время искал человека, который мог бы отреставрировать фрески XII века в Кирилловской церкви. Однажды он услышал о начинающем художнике Михаиле Врубеле и позвал его к себе, где и познакомился со своей музой. Во время реставрационных работ до Адриана доходят слухи, что у его жены появился молодой любовник в лице Михаила. Опасаясь за свой брак, он решает избавиться от соперника и отправляет художника в Италию, чтобы тот закончил работу над четырьмя иконами – «Иисус Христос», «Святой Афанасий», «Святой Кирилл», «Богоматерь с младенцем». Врубель пробыл в Венеции 3 месяца и закончил всю работу. Однако многие в образе Богородицы увидели черты лица Эмилии, а в образе Иисуса Христа – портрет ее маленькой дочери Оли. Прахова не оценила творчество и прервала отношения с Врубелем. Единственное, что оставалось художнику – это рисовать любимую. И он продолжал. Удивительно, но искусствоведы угадывают черты Эмилии Праховой даже в поздних работах художника – в знаменитом шедевре «Демоне сидящем».

Немецкий художник Георг Базелиц

Георг Базелиц (Georg Baselitz) родился 23 января, 1938 года в городе Каменц, коммунальной общины Дойчбазелиц. От места своего рождения и происходит творческий псевдоним художника, настоящие имя которого Ханс-Георг Керн. Современный художник учился в Высшей Школе искусств в Восточном Берлине. Однако в 1957 году был исключен из-за незрелости политических взглядов. Переехав в ФРГ, Георг Базелиц все же получил высшее образование и закончил аспирантуру в области изящных искусств в 1962 году. В этот же период он официально сменил фамилию на Базелиц. Первую свою персональную выставку Георг провел в 1963 году. Его работа «Большая ночь в канаве» вызвала неоднозначную критику и немецкого художника обвинили в творческой непристойности. На данный момент эта необычная картина находится в музее Людвига в Кельне, Германия.

Самым узнаваемым стилем и техникой живописи художника являются перевернутые абстрактные фигуры в его картинах, которые он начал рисовать с 1969 года. В это же время Базелиц приступил к созданию масштабных скульптурных инсталляций из окрашенного дерева. Георг Базелиц является современным абстрактным художником, который пытается реабилитировать это направление живописи, вводя в сюжеты своих работ более узнаваемые фигуры и образы. Он использует нарочито грубый стиль, напоминающей по своей технике некоторые работы психологического кубизма Джорджа Кондо, но отличающийся от последнего явно выраженным экспрессионизмом.

«Девушки из Олмо II», 1981, масло, холст
«Ухмылка Гринберга», 2013, масло, холст
«Пожиратель апельсинов», 1981, масло, холст
«Очень большой Франц Пфорр», 2006, масло, холст

9. Диего Веласкес

Диего Веласкес – известный испанский живописец. Родился он в Севилье в 1599 году и уже с детства проявил хорошие способности к рисованию. Родители всячески поддерживали старания своего сына и нашли для него лучших испанских учителей.

Молодой Веласкес писал преимущественно простых людей. Высокой оценки заслужили его картины «Старая кухарка», «Завтрак» и «Водонос в Севилье». Его полотно «Поклонение волхвов» также вызвало бурный восторг и Веласкес получает должность королевского живописца в Мадриде. Только он теперь может писать личные портреты королевской семьи и самого Филиппа IV. Также в Мадриде художник встречается с Рубенсом, знакомится с творчеством Тициана, да Винчи и Рафаэля. Два года своей жизни он посвящает поездке в Италию и изучению творчества местных авторов. Здесь он пишет известную «Кузницу Вулкана», а также свою лучшую картину «Сдача Бреды». В 1650-х годах художник создаёт ещё одну серию своих бессмертных шедевров: «Вилла Медичи», «Пряхи», «Менины» и известная картина «Венера перед зеркалом».

Членство

Максимальное количество членов SWA — 150. Они продвигают новых художников и поощряют нечленов показывать свои работы на их ежегодной выставке.

Первый шаг к участию — это регулярно подавать шесть работ (хотя максимум четыре будут вывешены) на Ежегодную открытую выставку. Они рассматриваются отборочной комиссией, и в исключительных случаях художник избирается в качестве ассоциированного члена (ASWA) в зависимости от места в обществе. Ассоциированные члены получают право быть избранными в полноправные члены в следующем году.

Президенты

Доктор Линда Смит PSWA 2020

• 1886–1912 Мадлен Марбель
• 1913–1915 Мэри Паунолл
• 1916 Вероятно, Бет Амур
• 1917–1922 Лота Боуэн
• 1923–1931 Шарлотта Блейкни Уорд
• 1932–1967 Дама Лаура Найт
• 1968-1976 Леди Мюриэль Уиллер
• 1977–1982 Элис Ребекка Кендалл
• 1982–1985 Глэдис Доусон
• 1985–2000 Барбара Тейт
• 2000–2005 Элизабет Р. Мик, MBE, HPRMS, FRSA
• 2005–2012 Барбара Пенкет Симпсон
• 2012–2017 Сью Джелли
• 2017–2020 Сорая Френч
• 2020– Д-р Линда Смит

Исполняющие обязанности президентов

• 1932–1933 Доротея Шарп
• 1934–1936 Хелен Стюарт Вейр
• 1937–1939 Констанс Брэдшоу
• 1940 Этель Леонтин Габен
• 1947–1948 Доротея Медли Селус (она же Джеймисон)
• 1949–1950 Ирен Риланд
• 1951–1967 Леди Мюриэль Уиллер
• 1973–1976 Элис Р. Кендалл

Известные члены

(В алфавитном порядке, исключая президентов SWA или исполняющих обязанности президентов, перечисленных выше)

• Маргарет Бэкхаус
• Роуз Мейнард Бартон
• Хосе Кристоферсон
• Флоренс Клэкстон
• Эдит Коллиер
• Лилиан Коттон
• Хельга фон Крамм
• Урсула Фукс
• Фрэнсис К. Фэйрман
• Лаура Сильвия Госсе
• Элис Гвендолин Рона Хасзард
• Сесил Мэри Лесли
• Сара Луиза Килпак
• Вивьен Мэллок
• Июнь Мендоса
• Сара Пейдж
• Эмили Мюррей Патерсон
• Джанет Рассел
• Мэйбл Мэри Спэнтон
• Элизабет Саутерден Томпсон
• Хелен Торникрофт
• Дафна Тодд
• Флора Творт
• Эмили Уоррен
• Мэйбл Уикхэм
• Кэролайн Фанни Уильямс

Офицеры

Президент

Д-р Линда Смит

Вице-президенты

• Розмари Миллер SAA
• Хелен Синклер

Директора

• Сорайя Френч
• Дэни Хамберстон
• Сью Джелли PPSWA SPF
• Розмари Миллер SAA

Почетный казначей

Рэйчел Паркер SWA

Секретарь компании

Розмари Миллер SAA

Исполнительный секретарь

Ребекка Коттон

Пресс-атташе

Сорайя Френч

Члены Совета

• Энн Бланксон-Хеманс
• Сера рыцарь
• Рэйчел Паркер
• Розалинд Робинсон
• Хелен Синклер
• Д-р Линда Смит
• Дайан Урвин
• Розалинд Робинсон

Почетные члены

• Филомена Дэвидсон PPRBS
• Июнь Mendoza AO OBE RP ROI
• Рут Пилкингтон, ROI
• Сьюзан Райдер PVPRP NEAC
• Эмма Сержант
• Дафна Дж. Тодд OBE PPRP NEAC FRSA
• Белинда Тонг
• Джойс Вятт HonUA ASAF (HC) FRSA

Почетные пенсионеры

• Ева Кастл
• Памела Дэвис
• Мэри Грант
• Пэм Хендерсон
• Патрисия Николс
• Джойс Роджерсон
• Дороти Уоттс

7. Иван Айвазовский

Иван Айвазовский – известнейший русский художник, родившийся в 1817 году в Феодосии. Настоящее имя этого художника — Ованес Гайвазовский. Уже с самого детства у него были ярко выражены музыкальные и художественные способности. Первым учителем Ованеса был известный архитектор Яков Кох, который всячески старался развить способности этого талантливого мальчика. В возрасте 13 лет он поступил в художественную гимназию в Симферополе, а потом в петербургскую Императорскую академию. Так мальчик стал носить имя Ивана Айвазовского.

В возрасте 20 лет Айвазовский досрочно окончил Академию с почётной золотой медалью. Он побывал в морских военных сражениях на побережье Кавказа, затем четыре года путешествовал по Европе, был на Кавказе, затем в Грузии, Дагестане, Армении и Осетии. Так появились известные картины «Девятый вал», «Морской берег», «Венеция» и другие.

Вдоволь насладившись путешествиями, художник обосновался в крымской Феодосии, где купил участок и построил на нём особняк в стиле итальянских палаццо. Со временем этот дом стал частным музеем его творчества.

6. Микеланджело Буонарроти

Микеланджело Буонарроти — один из самых гениальных художников эпохи Возрождения. Он родился в 1475 году в небольшом городке Кьюзи совсем недалеко от Флоренции. Благородное происхождение позволило мальчику общаться со многими выдающимися художниками и учёными того времени. Это общение очень хорошо способствовало развитию юного дарования.

В садах Марка молодой художник вырубил маску фавна, а также сделал рельеф, в котором запечатлел бой Геракла и кентавров. Многие были восхищены этими скульптурами и пророчили Микеланджело большое будущее. Чуть позже он создал известное «Распятие», после которого молодого гения пригласили в Рим. Здесь Микеланджело создал Мадонну, которая держит на руках мёртвого Иисуса Христа, а также изваял мраморную скульптуру Вакха. Они принесли своему автору огромный успех и сделали его одним из самых популярных итальянских ваятелей.

Двадцать два месяца он упорно работал над потолком Сикстинской капеллы и результат его долгой работы равнодушным никого не оставил. Спустя четверть века Микеланджело вновь вернулся сюда, чтобы украсить фресками стену. «Страшный суд» вышел не менее гениальным, но слегка уступал первой картине.

В последние годы Микеланджело оставил живопись и скульптуру, полностью посвятив себя архитектуре. Он заведовал строительством римского храма имени святого Петра, но до конца довести его он не успел. Главный купол по его личному проекту установили уже после смерти Микеланджело.

Просто жизнь. Топ-3 известных примитивиста

Примитивисты выступали против всяческих форм зависимости и покорности. Их не устраивала чрезмерно сложная жизнь, поэтому они прибегали в своих работах к ее упрощению. Это заставляло зрителя больше сопереживать, нежели обдумывать. Так родились на свет пронзительные картины известного примитивиста Нико Пиросмани, легендарные полотна Ладо Гудиашвили, выразительные натюрморты Ильи Машкова.

Н. Пиросмани. Групповой портрет «Кутеж»

Л. Гудиашвили. Работа «Нико Пиросмани». 1928 г.

Представленный рейтинг топ-100 самых популярных русских художников не претендует на полноту. Кроме названных живописцев вы наверняка найдете немало талантливых мастеров, которые оказали влияние на развитие живописи. Однако надеемся, что этот немалый список поможет вам в целом оценить размах русского творчество и познакомиться с его многообразием направлений.

Любовь Попова

Любовь Попова родилась в Московской губернии в 1889 году в богатой купеческой семье. Ее отец был покровителем искусств, а среди родственников по линии матери было множество деятелей культуры, историков и коллекционеров. В 1907 году девушка поступает в студию Станислава Жуковского, а затем переходит в частную художественную школу Константина Юона и Ивана Дудина. Вскоре художница отправится в Италию, где возьмет несколько уроков живописи

Попова много путешествует и по России, что оказывает влияние на ее творческую манеру: она обращает внимание на работы древнерусских мастеров. Также она изучает французскую живопись, некоторые ее работы вдохновлены творчеством Сезанна, где-то слышны отголоски готического искусства. 

Значимым этапом в творческом развитии художницы стала поездка в Париж в 1912 году. Там она знакомится с кубизмом, который вскоре занимает центральное место в ее работах. Летом 1913 года Попова создает кубофутуристическую серию композиций с обнаженными фигурами, в которой французский кубизм сплетается с русским авангардом. В 1914 она выставляется вместе с «Бубновым валетом» и вскоре снова отправляется в путешествие по Италии.

Любовь Попова «Пространственно-силовая конструкция», 1921 г., Государственная Третьяковская галерея

Художница активно занимается кубофутуризмом, создавая, в первую очередь, натюрморты и портреты. Постепенно она приходит к собственному варианту беспредметной живописи, в котором сочетаются и принципы древнерусской живописи, и приемы авангарда.

В 1916-1917 году она участвует в создании общество «Супремус» под предводительством Казимира Малевича. В 1918 выходит замуж за историка искусства Бориса фон Эдинга — через год он умрет от тифа. Попова долго не может прийти в себя и вернуться к работе. В 1921 году она создает цикл «Пространственно-силовых построений» — это будет ее последняя работа. Она оставляет занятия живописью и начинает преподавать. 

Попова сближается с конструктививстами и участвует в их выставке «5 × 5 = 25». С 1923 года начинает заниматься производственным искусством — работает в полиграфии, делает эскизы тканей, проектирует одежду. Любовь также будет работать с декорациями и станет одной из создательниц театрального конструктивизма. Она скоропостижно скончается от скарлатины в 1924 году в возрасте 35 лет.

Последние статьи

• 10 самых дорогих и роскошных украшений знаменитостей от классики до кича сегодня, 12:28

• Забытый скульптор-самоучка и педагог, благодаря которому в СССР появились пионеры: Иннокентий Жуков сегодня, 11:41

• Как сложилась жизнь младшей сестры Жаклин Кеннеди: Безупречная Ли Радзивилл сегодня, 09:29

• Как одна случайность трагически изменила жизнь художника, которого обажали во Франции и не замечали в России: Ранний уход Борисова-Мусатова 24.09.2021, 23:36

• Единственное место в СССР, где Германия пыталась, но не смогла перейти советскую границу 24.09.2021, 21:38

• Как воспитанница приюта стала законодательницей мировой моды: Коко Шанель 24.09.2021, 19:24

• Почему у незнакомых людей могут быть похожие воспоминания: Эффект Нельсона Манделы 24.09.2021, 17:52

• Как украинский гетман Дорошенко трём господам служил 24.09.2021, 16:11

• Как брат одного из главных нацистских преступников спасал людей во время войны: Альберт Геринг 24.09.2021, 13:43

• 6 знаменитостей, которые родились в семьях с криминальным прошлым 24.09.2021, 11:55

Все статьи

Елена Поленова

Елена Поленова — сестра знаменитого живописца Василия Поленова. Она родилась в 1850 году в Санкт-Петербурге. Елена стала одной из родоначальниц модерна в русской живописи и одной из первых художников-иллюстраторов детской книги. 

В семье Елены был домашний учитель рисования — студент Академии художеств Павел Чистяков. Она будет всегда называть его главным педагогом в жизни. В 14 лет Поленова поступила в Санкт-Петербургскую рисовальную школу Общества поощрения художеств (ОПХ), где её наставником был Иван Крамской. В 19 лет Елена отправляется в Париж и поступает в студию Шарля Шаплена. 

Во время русско-турецкой войны Поленова встречает свою первую и единственную любовь — врача Алексея Шкляревского. Ее родители выступают против брака, Елена отчаивается и решает посвятить жизнь искусству. 

В 1878 году она возвращается к обучению в Школе Общества поощрения художеств, занимается в двух классах: акварельном и керамическом. За работы по керамике она получила несколько медалей и деньги на поездку в Париж — это был исключительный случай, обычно женщины пенсионерских денег не удостаивались. 

В Париже Поленова училась в керамической мастерской русских художников и у французских мастеров. После возвращения в Россию она открыла класс майолики, где преподавала живопись по фарфору. 

Елена Поленова «На дворе зимой», 1885 г., Государственная Третьяковская галерея

В 1882 году Елена переезжает в Москву, где знакомится с семьей Мамонтовых и входит в знаменитый Абрамцевский кружок Саввы Мамонтова. В 1885 году вместе с женой Мамонтова Елизаветой они организуют мастерские для обучения крестьян традиционным русским ремеслам.

Сама Елена создавала и акварельные пейзажи, и костюмы для спектаклей, и эскизы для вышивки и обоев, и орнаменты для икон. Она много путешествовала по деревням, интересовалась фольклором, рисовала уникальные эскизы мебели и предметов утвари. 

Одна из ее главных заслуг — иллюстрации для детских книг. Она проиллюстрировала сказки: «Дед Мороз», «Волк и лиса», «Иванушка-дурачок», «Избушка на курьих ножках». При ее жизни вышла лишь одна книга — «Война грибов», для которой она разработала весь макет, в том числе шрифт, орнаментальные вставки и иллюстрации.

Поленова умерла после болезни, когда ей было всего 47. При жизни она участвовала в выставках Московского товарищества художников, Товарищества передвижников и «Мира искусства». Долгое время Елена оставалась в тени знаменитого брата, лишь в 2011-2012 годах прошла ее первая большая персональная выставка в Третьяковской галерее.

Гойя. Глубокий и смелый.

Висенте Лопес Портанья. Портрет Франсиско Гойи. 1819. Музей Прадо, Мадрид.

Гойя начал свой творческий путь с юношеской пылкостью и идеализмом. Даже стал придворным художником при испанском дворе. Но вскоре пресытился жизнью, увидев алчность мира, тупость, ханжество.

Франсиско Гойя. Портрет семьи Карла IV. 1800 г. Музей Прадо, Мадрид.

Только взгляните на его групповой «Портрет королевской семьи», где Гойя даже не пытался сгладить пустые выражения лиц и отталкивающее высокомерие монаршего семейства.

Гойя создал множество полотен, отображающих его гражданскую и человеческую позицию. И мир знает его прежде всего как смелого художника-правдолюба.

Доказательством может служить просто невероятное произведение «Сатурн, пожирающий своего сына».

Франсиско Гойя. Сатурн, пожирающий своего сына. 1819-1823. Музей Прадо, Мадрид.

Это хладнокровное, максимально честное толкование мифологического сюжета. Именно так должен был выглядеть спятивший Кронос. Который до смерти перепуган тем, что может быть свергнут своими детьми.

Фрида Кало

Узнаваемая живописная манера, яркая биография и запоминающаяся внешность сделали Фриду Кало одной из самых популярных художниц. Талант Фриды открылся благодаря двум событиям, которые сама художница называла впоследствии «главными катастрофами своей жизни». Первой катастрофой стала автомобильная авария, приковавшая Фриду к постели на многие месяцы и заставившая от скуки взять в руки кисть и краски. Второй — брак с одним из главных мексиканских художников и политическим активистом Диего Риверой — постоянным источником переживаний, которые Фрида выплескивала на холст.  Большая часть произведений художницы — автопортреты, в которых виден не только незаурядный художественный стиль, перекликающийся с сюрреализмом и наивным искусством, но и боль от многочисленных операций, непростые отношения с мужем и темперамент мексиканской женщины. 

Ники де Сен-Фалль

Франко-американка аристократического происхождения, феминистка и бунтарка Ники де Сен-Фалль прожила максимально богемную жизнь с массой драматических поворотов. Совсем юной она прославилась как модель, мелькнув на обложках всех модных журналов, переехала из Парижа в Нью-Йорк, а потом снова в Париж, где оказалась в психиатрической больнице. Кроме жутких методов вроде «лечения» электрошоком двадцатилетней девушке прописали арт-терапию — так она и обнаружила своё призвание. Девушка начала с экспрессивных коллажей и ассамбляжей, организовала перформанс (возможно, один из первых в истории искусства) с расстрелом ёмкостей с краской, а позже перешла на скульптуру, которая становилась всё монументальнее. Нарочито жизнерадостный и «наивный» стиль де Сен-Фалль — протест против буржуазного искусства и собственной семьи, где за изящным фасадом скрывалось сексуальное насилие и издевательства над детьми.

На протяжении всей жизни Ники де Сен-Фалль дополняла серию скульптур «Nanas»: это жизнерадостные фигуры с мощными формами, напоминающими палеолитических Венер, которые воплощают силу женщин и их способности к творчеству. Опус магнум художницы — «Сад Таро», расположившийся на юге Тосканы; в «Императрице», одной из 22 расположенных там гигантских скульптур, скульптор обустроила свой дом и прожила там около десяти лет.